La directora, que con anterioridad a esta obra estrenó con Histrión Teatro ‘Nevenka’, aceptó la propuesta de la compañía de abordar juntos otro tema comprometido de interés social que suscitase debate y reflexión.

“Se tomó como punto de partida los debates abiertos por la conocida como Ley Trans que se acababa de aprobar el año anterior. También se centró en uno de los casos de fraude de género sucedidos en Reino Unido”, explica Gema Matarranz.

La obra habla de una madre en shock porque su hija de quince años acaba de confesarle que no es una chica; sino que es un chico. Ya no será más Alejandra, será Alex. Este hecho provoca negación, resistencia, frustración y dolor.  Sin embargo, todo da un giro cuando la policía llega a casa acusando a Alex de abuso sexual. Este hecho inesperado le hará emprender una frenética carrera para intentar comprender a su hijo y protegerle.

‘DYSPHORIA’ PONE AL PÚBLICO EN SITUACIONES INCÓMODAS

La pieza aborda cuestiones como el fraude de género, los vacíos legales y la instrumentalización política de estos casos, “pero lo hace sin aleccionar, sólo intentamos informar y emocionar, para que el público saque sus propias conclusiones”, según la actriz.

‘Dysphoria’ no arroja certezas, pero sí pone al público ante situaciones incómodas que tiene que gestionar. “El teatro es un espacio para generar en el público distintas emociones, desde incomodidad hasta euforia o tristeza. Y con ‘Dysphoria’ se cumple un arco bastante grande de emociones”.

La obra no trata tanto el proceso de transición de Alex como todo lo que sucede a alrededor de esto y que tiene que ver con la familia, los prejuicios, la desinformación y el miedo.

EL TRABAJO MÁS EXIGENTE DE GEMA MATARRANZ

Gema Matarranz aborda uno de los trabajos más exigentes y complejos de su carrera profesional. Interpreta a cinco personajes importantes: Alex, el adolescente que está transicionando; su madre, que, según afirma, representa al público; el fiscal; la abogada; y la psicóloga.

La actriz reconoce que se presentó la ocasión de hacer su primer monólogo a los 63 años, después de tres décadas sobre los escenarios, y no quiso perder la oportunidad. Según describe, “ha sido una de las experiencias más gratificantemente duras, pero maravillosamente calzadas. He aprendido mucho de la directora y también de mí y del público, y de la gente que ha estado cerca mientras lo preparábamos”, añade.

“He aprendido a valorarme por encima de todo, porque transitar por temas que son socialmente tan intensos te ayudan también a quererte más y a respetar a los demás y a ti misma como actriz”.

“ME SIENTO MUY ORGULLOSA DEL PÚBLICO”

Dice también sentirse feliz y “muy orgullosa del público” por la acogida que ha tenido la obra. “Estoy feliz de que después de algunas funciones madres y padres con adolescentes trans se hayan quedado para conocerme y hablar. Y estoy muy contenta de que la edad del público sea de los 15 a los 80 años”.

‘Dysphoria’ ha recibido dos Premios Lorca, a la Mejor Interpretación Femenina y al Mejor Espectáculo de Teatro 2026. También obtuvo el Premio del Público a Mejor Espectáculo de Sala para público joven y adulto de la XXVIII Feria de Teatro de Castilla y León 2025. Gema Matarranz estuvo además nominada a Mejor Actriz en los Premios Talía 2026 junto a Irene Escolar y Nathalie Poza.

Histrión Teatro aborda desde hace años en sus obras temas sociales controvertidos, como las fronteras políticas en ‘Arizona’, la discapacidad en ‘La isla’, o el acoso laboral en ‘Nevenka’.

Las entradas para ver este montaje están a la venta en la taquilla y en la web del teatro López de Ayala. 

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Los participantes han mostrado su satisfacción con esta iniciativa que desde hace mucho tiempo reivindicaba la Plataforma de Editores de Extremadura y que ha contado con el respaldo de la Junta de Extremadura a través de la Editora Regional.

Cristina Medrano, de Cuatro Hojas, recuerda que, aunque cada editorial nace de modelos distintos, unas son empresas y otras asociaciones sin ánimo de lucro, “el objetivo común de todas es que se conozca lo que se está editando en Extremadura y la calidad literaria que hay. No tenemos que envidiar a otras regiones, pero tenemos dificultades para competir con las grandes editoriales”.

“Editan muy bien, pero luchan contra un gran gigante”, explica Antonio Girol, director de la Editora Regional Extremeña, quien defiende la necesidad de apoyar a estos proyectos para que puedan salir de sus círculos habituales y llegar a nuevos lectores. La institución pública que dirige, fundada en 1984, ha asumido el papel de acompañante de una iniciativa que aspira a consolidarse.

Para esta primera edición se eligió Badajoz “porque es una ciudad que tiene una feria del libro muy consolidada, hay unos cuantos clubes de lectura también muy potentes, y nos parecía bien empezar por la ciudad más grande para que la gente conozca lo bien que se edita en Extremadura y el esfuerzo que supone editar un libro”, añade Girol.

POR AMOR AL ARTE

Más que una feria convencional, la muestra ha buscado acercar al público el trabajo que hay detrás de cada publicación. Novela, poesía, cuento, cómic, ensayo, patrimonio e historia han convivido en una jornada que, además de la exposición y venta de libros, ha ofrecido al público talleres, cuentacuentos, firmas y encuentros con autores y editores.

Las pequeñas editoriales independientes extremeñas existen, como reconocen muchas de ellas, “por amor al arte”, una expresión que resume tanto su compromiso cultural como las dificultades a las que se enfrentan. Para quienes viven la edición desde dentro, el esfuerzo va mucho más allá de sacar un libro a la calle.

Junto a editoriales veteranas como La Luna Libros o Norbanova otras más recientes como Stela Literaria, que surgió en 2022, o La Experiencia, que sólo ha cumplido un año de existencia, han compartido este espacio de encuentro entre profesionales del sector editorial.

UNA LUCHA POR LA VISIBILIDAD

“Necesitamos competir de otra manera y hay que empezar por tener visibilidad”, según Cristina Medrano, quien recuerda que, aunque Extremadura atraviesa, a su juicio, un buen momento literario, “la calidad no siempre se traduce en reconocimiento”.

Esa falta de recursos se percibe especialmente en el día a día. En las pequeñas editoriales, explica Medrano, sus responsables hacen de todo. “Somos mujeres y hombres orquesta que hacemos de todo, desde corregir y maquetar textos hasta preparar paquetes y organizar presentaciones”.

La experiencia de Ana Crespo, de La Luna Libros, confirma que las dificultades no son nuevas. Con 33 años de trayectoria, esta veterana editorial de Mérida publica obras de los autores más relevantes de Extremadura asumiendo los costes de edición. “Es muy difícil sobrevivir”, reconoce. A su entender, el problema no reside en el talento, sino en la distribución, la difusión y la publicidad, ámbitos en los que las pequeñas empresas no pueden competir en igualdad de condiciones con los grandes sellos.

Crespo considera que el nivel y la calidad de los escritores e ilustradores extremeños les permitiría competir en el ámbito nacional si no fuera por las dificultades de las editoriales.

PUBLICAR TAMBIÉN ES ACOMPAÑAR

La I Muestra de Editoriales Extremeñas ha permitido conocer proyectos que entienden la edición como algo más que imprimir libros. Es el caso de la Asociación Cultural Márgenes, de Cáceres, integrada por cuatro docentes de Secundaria jubilados. Ángel Cepeda explica que el propósito de esta editorial es ayudar a autores que recurren a la autoedición y necesitan orientación. “No queremos publicar por publicar”, resume. “Nuestra experiencia como profesores de inglés y lengua y literatura, y como grandes lectores, puede serles de utilidad”.

También desde la Asociación Cultural Norbanova, con dos décadas de trayectoria, Pilar López Ávila reivindica la necesidad de dar espacio tanto a autores noveles como a escritores consolidados. La presidenta de esta asociación considera que iniciativas como esta Muestra de Editoriales Extremeñas debería repetirse en otras ciudades extremeñas para que el público descubra el trabajo que realizan.

Stela Literaria, de Azuaga, comparte esa filosofía de acompañamiento. Lola Moruno explica que esta asociación ayuda y mima a los autores, “si nos piden que les ayudemos con las correcciones y que les acompañemos en sus primeras presentaciones ahí estamos, para que la experiencia les resulte satisfactoria”.

LIBROS QUE CONECTAN DISCIPLINAS

La creatividad también se manifiesta en proyectos que unen literatura, ilustración, música y formación. La Experiencia Libros, vinculada a la Escuela de Diseño Superior de Mérida, trabaja con estudiantes de diseño en publicaciones ilustradas. Mariate Macías Puig destaca el valor de esa colaboración, que permite a los alumnos participar en proyectos reales.

Desde Collado de la Vera, una pequeña localidad de menos de 300 habitantes, Pilar Romero dirige Infancia Empoderada, especializada en álbum ilustrado infantil. Creó la editorial en 2021 por su curiosidad por conocer todo el proceso editorial por dentro y cubrir una necesidad que detectaba en la región. Su apuesta es clara: “trabajar con ilustradores profesionales y mantener la edición tradicional, frente al uso de la inteligencia artificial”.

Otras propuestas completan el mapa editorial extremeño: Habla de Arte combina patrimonio, divulgación cultural, literatura, ilustración y música; mientras que ExTreBeO lleva dos décadas ofreciendo una puerta de entrada a autores que comienzan su trayectoria con el cómic; y Letras Cascabeleras dinamiza la cultura además de editar libros.

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Esta primera exposición de la artista palentina en el MEIAC reúne obras recientes como ‘Cosmos’, ‘Viaje al centro de la Tierra’, ‘Allá, tan cerca’, ‘Polvo de estrellas’ y ‘Mira fuera y dentro’. Junto a ellas se exponen otras anteriores: ‘Historia natural’, ‘Quietas’, ‘Marejada’ e ‘Inmersión’. Todas están realizadas en materiales y medios muy diversos.

Marina Núñez es una de las creadoras más destacadas del arte contemporáneo español. Una de las características de su trabajo es la utilización de series y variaciones. Transforma un mismo motivo buscando posibilidades diferentes. Por ello las nueve obras de esta muestra se transforman en series dando lugar a un gran conjunto de piezas: 78 imágenes digitales sobre cerámica, aluminio y poliéster reciclado, además de dibujos, vídeos y esculturas en realidad aumentada que se han instalado en los jardines del MEIAC.

DIFERENTES FORMAS DE EXISTENCIA Y DISTINTOS UNIVERSOS

El procedimiento de trabajo de Marina en series recuerda, según la comisaria de la exposición, “al trabajo que realizan los científicos en sus investigaciones”, basadas en formular preguntas, modificar condiciones y observar qué aparece. Una de las premisas de esta exposición es “mostrar el arte como una forma de conocimiento de aquello que no conocemos, una forma tan profunda como la ciencia”, señala Isabel Durán.

Las obras expuestas ofrecen una sucesión de imágenes que crean paisajes remotos, figuras humanoides, cuerpos femeninos suspendidos entre formas vegetales, cuerpos cósmicos o constelaciones que relacionan lo humano con otras formas de existencia y universos. Todo ello para recordar al ser humano que no es un mero espectador de la Tierra, sino una de sus formas de existencia. La música compuesta por Luis de la Torre para esta muestra ambienta la exposición.

MARINA NÚÑEZ: “SOMOS POLVO DE ESTRELLAS”

Marina Núñez explica que ‘Viaje al centro de la Tierra’ tiene un tono luminoso, a diferencia de otros trabajos suyos, y que en ella invita “a explorar el mundo y otras líneas que están por descubrir en el cosmos. Este centro de la Tierra está poblado de futuros posibles que tenemos que construir entre todos”, añade.

Su exposición sirve para considerar, según la artista, “que no estamos sobre la Tierra, sino que somos parte de ella. No somos seres distintos a los otros seres. Somos polvo de estrellas, estamos compuestos por los mismos elementos que el resto de los seres, orgánicos e inorgánicos”.

Marina Núñez ha hecho por primera vez esculturas en realidad aumentada, específicamente para exponerlas en jardines del MEIAC, bajo el título ‘Cosmos’, y asegura que le ha gustado tanto la experiencia que repetirá.

En ‘Cosmos’ el visitante podrá descubrir esferas y fragmentos de rostros que se organizan como constelaciones. La obra muestra el universo como algo no lejano, sino como algo que comienza en las relaciones que mantienen los seres humanos entre ellos, con la materia y con el lugar que habitan.

UNA VISIÓN CIENTÍFICA DESDE EL PENSAMIENTO ARTÍSTICO

‘Viaje al centro de la Tierra’ no ilustra la Tierra ni pretende sustituir la ciencia por la fantasía. Propone una reflexión sobre una pregunta antigua y siempre renovada: quiénes somos, de dónde venimos y adónde vamos desde un punto de vista científico a través del pensamiento artístico.

“El eje de la exposición es comprender que los seres humanos formamos parte de una realidad que es nuestro planeta Tierra y que somos parte indisociable de ella”, explica Isabel Durán. “Aquí el centro de la Tierra es una metáfora del lugar al que uno no puede acceder, pero intuye cómo es, y el arte como forma de conocimiento nos puede valer para estudiar todo ello”.

Este conjunto de piezas pretende abrir al espectador “una visión científico-poética o científico-metafórica de cómo es aquello que no conocemos, como el centro de la tierra, que conocemos nada más que por intuiciones”, añade.

METÁFORAS VISUALES

El interior de la Tierra ha despertado durante siglos la curiosidad de científicos, escritores y artistas. Desde las visiones subterráneas de Athanasius Kircher hasta la aventura imaginada por Jules Verne, las profundidades del planeta han sido un territorio donde el conocimiento y la imaginación se encuentran. Marina Núñez recoge esa tradición y la lleva hacia un terreno abierto. Pero sus obras no pretenden resolver el misterio, sino mantener abierta la pregunta.

“Es una artista que busca de una forma decidida comprender el mundo en el que vivimos con una suerte de metáforas visuales realmente sorprendentes y únicas”, señala Isabel Durán.

Marina Núñez es profesora en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo. Su obra figura en colecciones de varias instituciones y museos de España, entre las que se encuentran el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Fundación la Caixa o la Fundación Botín (Santander), entre otras muchas. Fuera de España tiene obra en CAFA Art Museum (Beijing), FRAC-Fonds régional d’art contemporain (Córcega, Francia) American University (Washington D. C.).

Ha expuesto en las más importantes galerías y museos, como el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, el Museo Lázaro Galdiano o el Museo Nacional de Antropología.

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Sobre el escenario, una enorme silla se convierte en mucho más que un elemento escenográfico. Es el centro alrededor del cual se construye la acción y también el objeto con el que las tres actrices desarrollan un trabajo eminentemente corporal y gestual. Trepan sobre ella, se sientan, la tumban o la transforman en una mesa mientras recrean situaciones cotidianas que adquieren una dimensión surrealista. Todo ello con muy pocas palabras y una buena dosis de payasadas.

Los personajes de ‘A la fresca’ son tres abuelas con un carácter muy diferente y definido cada una de ellas. Juegan a las cartas, se hacen trampas, tejen lana, observan lo que ocurre a su alrededor y cotillean. Son personajes cercanos, reconocibles y familiares que nos recuerdan cuando la calle era nuestra sala de estar.

TRES ABUELAS MUY PAYASAS

Anna Confetti, payasa y directora de la compañía, explica que se trata de “una relectura contemporánea del clásico trío de clown formado por el Augusto, el Carablanca y el Segundo Augusto”. En ‘A la fresca’, esos arquetipos toman forma femenina: una mujer que manda, organiza y está convencida de que las otras dos no llegarían a ningún sitio sin ella; una cascarrabias a la que todo le parece mal y que reacciona con ataques cuando se pone nerviosa; y una tercera despistada y torpe que, en realidad, no lo es.

La obra está inspirada en las madres y las abuelas vecinas de cualquier pueblo de España que las noches de verano salen con la silla a tomar el fresco y a comentar la jornada. “Y cualquier anécdota o pequeña historia se convierte en una gran historia o un acontecimiento”.

En su opinión, “es una tradición bonita que mantiene nuestros pueblos vivos pero que por desgracia se ha perdido un poco, sobre todo en las grandes ciudades donde todo el mundo va con muchas prisas y estamos todo el tiempo conectados al móvil y no conocemos a los vecinos de la escalera”.

‘A LA FRESCA’, UNA FORMA DE HABITAR LA CALLE

En este sentido, ‘A la fresca’ pretende ser “un homenaje a nuestras abuelas y a la sabiduría popular, a esta manera de vivir, que es una cosa fantástica”, según Anna Confetti, quien asegura que en el pueblo donde vive todavía hay algunas abuelas que salen con la silla.

Pero la reivindicación va un paso más allá. La obra defiende también la recuperación del espacio público como lugar de encuentro. “Es una reivindicación a estar en la calle y que no sea sólo un espacio para el tránsito sino para habitarla y para relacionarse y conocer al vecino”, señala.

El espectáculo está dirigido a todos los públicos, tanto a niños como a mayores. Uno de los aspectos que más satisface a la compañía es la identificación que se produce durante las representaciones. Según Confetti, “el público empatiza rápidamente con los personajes y se reconoce en ellos o identifica a algún familiar cercano”.

Esa familiaridad genera un componente entrañable y, al mismo tiempo, una complicidad entre las tres payasas y quienes las observan desde el patio de butacas.

VISIBILIDAD A LAS PAYASAS

La Compañía Anna Confetti ha cumplido 40 años de trayectoria dedicada al teatro de calle y al clown y al espectáculo de público familiar. En estos años el oficio ha experimentado una evolución. “Hasta hace muy pocos años había muy pocas payasas, pero espectáculos de tres mujeres payasas no hay muchos”.

Por ello la compañía incorpora a su propuesta otra reivindicación: la presencia de mujeres en espectáculos humorísticos y cómicos. “Tradicionalmente ha sido una cosa de hombres, incluso que una mujer que se dedicara a esto estaba mal visto. Aunque esto ha cambiado, todavía hay que revindicar que tengamos más visibilidad, que se conozca que hay payasas y que se programen”.

Las entradas para ver ‘A la fresca’ están a la venta en la taquilla y la web del teatro López de Ayala de la capital pacense.

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Las manos de Gerardo y de sus compañeras Maru Fernández y Cecilia Burzzone se transforman en personajes que realizan oficios manuales y que protagonizan cuatro historias distintas desde el humor, lo absurdo, lo grotesco, la crudeza, la ternura o lo lúdico.

En una de las historias las seis manos crean un solo personaje, en otras son tres ancianas o en otra son unos zapatos. Son manos coreografiadas que cosen, que limpian, que trabajan. Cada historia tiene una técnica y un lenguaje diferente, con una poética, una estética y una plasticidad particular, en función de la dramaturgia.

Tras esta aparente sencillez se encuentra una mirada sobre algunas de las cuestiones que forman parte de la vida cotidiana. “En general el espectáculo aborda los excesos que tenemos todos los días y constantemente, excesos de pantallas, de violencia, de discriminación, de soledad”, explica Gerardo Martínez.

EL UNIVERSO SONORO DE ‘MANUAL’

‘Manual’ se completa con un universo sonoro de vital importancia para la compañía. “Desde los ensayos trabajamos con música siempre. Tenemos dos músicos amigos que nos componen la música de nuestras obras. La música es toda original. Se crea en paralelo mientras hacemos las escenas, a veces trabajamos desde la música hacia la escena y otras veces desde la escena le proponemos a los músicos. Sin la música estaríamos perdidos”.

El fundador de Coriolis recuerda que la obra acabó siendo una partitura de movimientos de 50 minutos. “Parte de los sonidos son generados con objetos que tienen que ver con la escena y con ellos se compusieron percusiones y parte de la música para la obra”.

Esta compañía uruguaya se creó en 2014 con el propósito de investigar, experimentar y producir espectáculos de teatro visual y de objetos con perfil teatral, en diversas técnicas y lenguajes. Sus espectáculos se han presentado en China, Francia, Túnez, Islandia, Austria, España, Portugal, Canadá, Chile, Brasil, Argentina, Colombia, México, Croacia, Suiza y Uruguay.

‘Manual’ ha tenido muy buena acogida de público allí donde se ha representado. El espectáculo fue seleccionado para el Festival Mundial de Teatros de Marionetas de Charleville Mézieres en Francia, en 2023.

ENCONTRAR UN LENGUAJE UNIVERSAL

La ausencia de palabras planteó uno de los grandes desafíos durante el proceso creativo. Martínez recuerda que al principio fue difícil encontrar el código necesario para que el público pudiera comprender la obra sin haber tenido ningún contacto previo con ella. “Fue muy difícil, un desafío. Pero luego fuimos entendiendo que hay cosas universales y se entienden. Fuimos encontrando los códigos de lo visual con el apoyo musical y sonoro y ahora nos encanta hacerlo”.

A la compañía le preocupaba especialmente que no se entendiera cuando llevaban el espectáculo a otros países, como a China o Corea, donde algunos códigos podían resultar más locales. Sin embargo, el espectáculo funcionó muy bien. Para Martínez, aquella experiencia demostró que lo universal funciona “porque, independientemente del lugar donde vivamos, todos los seres humanos tenemos los mismos problemas y las mismas preocupaciones, somos muy parecidos”.

UN PROCESO CREATIVO COMPLEJO

El proceso de creación tampoco fue sencillo. En escena están los tres intérpretes y no cuentan con una dirección exterior, por lo que tuvieron que desarrollar sus propios mecanismos para poder verse y analizar el trabajo.

“Usábamos al principio espejos, pero no podíamos ver después lo que habíamos hecho y empezamos a grabarlo para poder ver las grabaciones y corregir. Fue muy largo el proceso, nos costó mucho al principio, porque además se precisa de mucha sincronización, pero al final lo conseguimos a base de muchísimos ensayos”.

Martínez subraya que no se trata de un espectáculo infantil, a diferencia de ‘Trapos’, el anterior trabajo de la compañía, más convencional, realizado con títeres y sin texto. “’Manual’ está ideado para jóvenes y adultos”.

Las entradas para el espectáculo ‘Manual’ se encuentran a la venta en la taquilla y la web del teatro López de Ayala de Badajoz.   

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Roberto Forés ha diseñado una temporada, su segunda al frente de la OEX, que ha titulado ‘Relatos’ porque considera que “una orquesta sinfónica no es más que un dispositivo colectivo de narrar”, según dijo el pasado mes de junio en la presentación.

Por esa razón, en esta temporada propone al público un recorrido por algunas de las grandes historias que la música ha contado: relatos de amor y encantamiento, cuentos de hadas y de marionetas, crónicas de viajes por tierras lejanas, fábulas centenarias de campesinos o historias de heroísmo y resistencia.

‘EN TORNO AL FUEGO’, TRES HISTORIAS PARA SER CONTADAS Y TOCADAS

En este primer programa ‘En torno al fuego’ la OEX contará el ‘Poema de cuento de hadas’, de Gubaidúlina, un cuento sinfónico compuesto en 1971 a partir de una historia infantil del escritor checo Miloš Macourek. Le seguirá ‘El amor brujo’, de la célebre ópera ‘Carmen’ de Manuel de Falla, cuando se celebra el 150 aniversario del nacimiento del compositor gaditano. Esther Merino pondrá voz a esta historia de amor y celos.

Cerrará con ‘Petrushka’, de Stravinski, un ballet protagonizado por una marioneta que cobra vida y experimenta emociones humanas. Estrenado en París en 1911, fue revisado por el compositor en una versión de 1947 que será la que interpretará la OEX.

‘En torno al fuego’ se presenta como una propuesta en la que “se entrelazan en cada obra elementos en apariencia distantes: lo tradicional y lo extremadamente sofisticado, las formas naturales y la complejidad estructural, la ficción popular y los ecos insondables del espíritu humano, lo místico y lo mundano”, según explica Santiago Pavón, divulgador y profesor de la OEX, en las notas a este programa.

ESTHER MERINO, 23 AÑOS DE CARRERA Y MÁS DE UNA TREINTENA DE PREMIOS

La cantaora Esther Merino (Gévora, Badajoz, 1984) es la tercera artista extremeña en conseguir la codiciada Lámpara Minera del Festival Internacional de Canta de las Minas de La Unión, uno de los galardones más prestigiosos del flamenco. El cantaor Miguel de Tena fue el primero en conseguirlo en 2006 y la cantaora Celia Romero logró la Lámpara Minera en 2011 con sólo 16 años. Celia debutó con la Orquesta de Extremadura en 2018.

Merino obtuvo en 2017 el Melón de Oro del Festival Internacional de Cante Flamenco de Lo Ferro, reconocimiento concedido a la cantaora más completa del certamen, y en 2022 ganó la Lámpara Minera después de 22 años de carrera y más de una treintena de premios. El pasado año presentó su segundo disco, ‘Revolución’.

La orquesta llevará este programa el jueves 1 de octubre al Palacio de Congresos de Badajoz ‘Manuel Rojas’ y el viernes 2 de octubre en el de Cáceres, a las 20:00 horas. Ambos conciertos estarán precedidos por una charla introductoria a las 19:00 horas, impartida por el divulgador y profesor de la OEX, Santiago Pavón.

UNA TEMPORADA CON 21 PROGRAMAS Y MÁS DE UN MILLAR DE ABONADOS

Tras estos conciertos, la OEX afronta ocho meses en los que ofrecerá al público 14 programas en el ciclo principal, seis de ellos dirigidos por Forés, dedicados al repertorio más puramente clásico y sinfónico, y otros 7 programas con espectáculos variados que buscan atraer a nuevos públicos.

La Orquesta de Extremadura comienza esta nueva temporada con 1.086 abonados, distribuidos entre sus cinco sedes, cifra que puede incrementarse en las próximas semanas ya que la venta de abonos permanece abierta, excepto en Badajoz, donde se ha establecido un límite de abonos para garantizar un mínimo de venta de entradas.

Las entradas para estos conciertos, así como para el resto de la temporada, pueden adquirirse en la taquilla en internet de la Orquesta de Extremadura. También estarán disponibles en la taquilla física en el Palacio de Congresos de Badajoz este miércoles y jueves de 11:00 a 13:30 y, tanto en Badajoz como en Cáceres, tiempo antes de la actuación entre las 18:30 y las 19:45 horas.

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La entrada es libre hasta completar el aforo y el encuentro concluirá con una firma de ejemplares en el peristilo del teatro, lo que permitirá a los lectores compartir un momento cercano con ambos autores.

Esta iniciativa de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura pretende “acercar a los extremeños grandes figuras del panorama cultural e intelectual y además unirlas al patrimonio de la región”, según el secretario general de Cultura, José Luis Gil Soto.

“Arsuaga y Millán hacen un tándem muy bueno e interesante por la forma que tienen de divulgar la ciencia y la historia, de un modo muy literario”, según Gil Soto, quien recuerda que ambos han sido reconocidos con importantes premios.

UN ENCUENTRO PARA COMPARTIR REFLEXIONES RELEVANTES

Han escrito juntos la trilogía ‘La vida contada por un sapiens a un neandertal’, ‘La muerte contada por un sapiens a un neandertal’ y ‘La conciencia contada por un sapiens a un neandertal’. Este original proyecto literario sobre la historia de la humanidad une erudición científica y entretenimiento, por lo que se ha convertido en un fenómeno editorial.

“Desde la Consejería no se ha marcado a los invitados una pauta ni se ha elegido una temática concreta, les hemos dado libertad para que conversen sobre temas que interesen al público y de los que suelen hablar en la radio, en sus libros, en sus conferencias o en los artículos que escriben, sobre la evolución humana y la sociedad actual”, señala.

De esta forma los asistentes podrán disfrutar en este encuentro de algunas de las reflexiones más relevantes del pensamiento contemporáneo de dos autores que han logrado trasladar debates complejos al gran público con rigor, humor y cercanía.

ARSUAGA Y MILLÁN: DOS MENTES BRILLANTES

Juan Luis Arsuaga es codirector de las investigaciones y excavaciones de los yacimientos de la sierra de Atapuerca desde 1991, director científico del Museo de la Evolución Humana de Burgos y autor de numerosos artículos científicos y libros de divulgación. En 1997 le concedieron el Premio Príncipe de Asturias de Investigación Científica y Técnica.

La obra narrativa de Juan José Millás ha sido traducida a más de una veintena de idiomas, cuenta con los más prestigiosos galardones literarios del ámbito hispano, como el Premio Nadal, el Premio Planeta y el Premio Nacional de Narrativa. Compagina su labor de narrador y columnista con la de conferenciante, director de talleres de escritura y colaborador en programas de radio.

‘PALABRAS MAYORES’ SE CONSOLIDA Y BUSCA ATRAER FIGURAS RELEVANTES

Esta es la segunda edición de ‘Palabras Mayores’, después de que en 2024 el escritor Santiago Posteguillo (Premio Planeta, 2018), conocido por sus novelas históricas centradas en la Antigua Roma, congregara a cerca de 2.000 personas en el Teatro Romano de Mérida. El objetivo en este nuevo encuentro es que las gradas de este espacio monumental se vuelvan a llenar de lectores y público interesado por escuchar a Arsuaga y Millán.

Gil Soto asegura que ‘Palabras Mayores’ tendrá continuidad, aunque no una fecha fija establecida en el calendario, ya que lo importante es “encontrar a una figura relevante que resulte atractiva para todos los públicos y que esa persona se sienta afortunada por venir a dar una conferencia al Teatro Romano de Mérida”.

De esta forma, esta actividad se consolida como un espacio de referencia para el intercambio de ideas y la participación ciudadana en torno a la cultura y los libros.

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Asomarse a la programación del 49º Festival de Teatro de Badajoz es sumergirse en un océano de lenguajes escénicos, de corrientes artísticas y de historias que nos afectan. Las 13 propuestas contemporáneas de compañías de diferentes puntos de España, Portugal y Uruguay que pasarán por el escenario del teatro López de Ayala del 10 al 23 de octubre no dejarán indiferente a los espectadores.

Un año más el festival pacense brinda al público la oportunidad de vivir y experimentar diferentes situaciones desde el humor, la emoción y la reflexión. Danza, teatro físico, visual, gestual, música en directo o títeres al servicio de los espectadores para susurrarles, sin ruidos, sin cortes de publicidad ni interrupciones, cosas que suceden y les importan: la salud mental, la identidad, la violencia, la menopausia, el machismo, el poder, la crisis climática, la condición humana o la esperanza.

¡PASEN Y VEAN! ESTE ES EL 49º FESTIVAL DE TEATRO DE BADAJOZ

No es una suma de propuestas “es un programa con criterio artístico basado en la calidad de las propuestas y la diversidad de los lenguajes, cada obra tiene su razón de ser”, según explicó la directora del teatro López de Ayala, Paloma Morcillo, en la presentación.

¿Qué obra elegir o cuál es la mejor? Para el director artístico del 49º Festival de Teatro de Badajoz, Eugenio Amaya, “todos los espectáculos son un plato fuerte, todos tienen rigor en su ejecución, un compromiso con los temas que tratan y con los espectadores”.

La compañía portuguesa del coreógrafo Daniel Cardoso Quorum Dance Company abrirá el 49º Festival de Teatro de Badajoz el sábado 10 de octubre con el espectáculo Hashtag#Free, una pieza de danza contemporánea con siete bailarines que reivindica la libertad creativa en su forma más pura y la capacidad del movimiento para romper cualquier límite estilístico.

Esta compañía ha visitado el Festival en ediciones anteriores con Fado (Correr o Fado), en 2019, y con Dragão, en 2024.

TEATRO URUGAYO HECHO CON LAS MANOS

La siguiente propuesta de la programación es Caos, de la compañía valenciana Teatre de L`Abast, especializada en teatro físico y multidisciplinar. Este montaje que llegará al teatro López de Ayala el 11 de octubre y que introduce danza y recursos visuales es una comedia nostálgica que narra las vivencias de tres amigos que reflexionan sobre el amor, el paso del tiempo, las decisiones vitales y el destino.

De Uruguay llega el 12 de octubre Manual, un excepcional montaje de la compañía Coriolis en el que las manos son las protagonistas. Esta obra de teatro visual sin texto se construye a partir de manos que trabajan, sus movimientos, tensiones, ritmos y destrezas inherentes al oficio o tarea, dando lugar a la creación de cada escena.

HISTORIAS DE MUJERES CONTADAS POR MUJERES

El teatro cómico estará presente el 13 de octubre con la compañía catalana de Anna Confetti, que sube a tres personajes en una silla gigante en su obra Al fresco para contar anécdotas cotidianas y surrealistas. El espectáculo se inspira en las abuelas que por las noches de verano salían, y en algunos pueblos todavía lo hacen, a tomar el fresco. Esta compañía veterana, con más de 35 años de trayectoria, se dedica al teatro de calle y clown, así como a la comedia gestual.

El 14 de octubre el público podrá disfrutar de No estoy de frente, una propuesta de la versátil actriz andaluza María Paz Sayago, con Paco León y Chiqui Carabante en la dirección. La historia cuenta cómo una mujer despierta en un hospital tras una operación. Como consecuencia de la intervención, entra en una indeseada menopausia prematura. Desde el humor ácido y la reflexión, el personaje emprende un viaje personal en el que el público le acompaña sobre el paso del tiempo, la madurez, la enfermedad, las relaciones familiares y el papel de las mujeres en distintas etapas de la vida.

La compañía catalana Las Ignífugas llegará al 49º Festival de Teatro de Badajoz el 15 de octubre con su obra Cómo hacer una bomba en la cocina de tu mamá. Se trata de un monólogo interpretado por Teresa Garzón con un texto muy potente que fusiona dramaturgia, espacio sonoro en vivo y una puesta en escena disruptiva para sumergir al espectador en un paisaje mental devastado. Es una comedia que habla, con furia y humor corrosivo, de salud mental y suicidio.

IONESCO POR PARTIDA DOBLE INTERPELA SOBRE LA CONDICIÓN HUMANA

El público del festival está invitado el 16 de octubre al funeral de Dimitri, el abuelo de un grupo de músicos zíngaros que la lían parda. El funeral es un montaje con música en directo de las compañías Teatro de las esquinas y Teatro Che y Moche, dirigido por Joaquín Murillo. Una fiesta musical en la que los actores se comunican con un lenguaje inventado y las risas están garantizadas.

En esta edición coinciden en la programación del Festival dos obras de Eugène Ionesco. Una es la hermosa tragicomedia de El rey se muere, que llevará a escena el 17 de octubre la veterana compañía sevillana Atalaya, bajo la dirección de Ricardo Iniesta y Sario Téllez. La obra  brillante y divertida que medita sobre la condición humana. Atalaya cuenta con más de 40 años de trayectoria y ha recibido numerosos premios, entre ellos el Premio Nacional de Teatro en 2008.

La otra propuesta que adentrará de nuevo al público en el universo Ionesco es Rinoceronte, un montaje del Taller de Fin de Estudios de la Especialidad de Interpretación de la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Extremadura. Dirigida por Carmen Galarza, la obra plantea una reflexión incisiva sobre el conformismo, la pérdida de identidad y la dificultad de resistir a la barbarie ante el pensamiento único y la fuerza bruta. Llegará al Festival el 20 de octubre.

EL MONSTRUO CAMUÑAS, EL FRAUDE DE GÉNERO Y EL COMETA HALLEY

Para los más pequeños, y no tan pequeños, se ha programado para el 18 de octubre Camuñas, teatro de títeres de la compañía salmantina Katua y Galea Teatro, que en 2024 visitó el Festival con La bruja rechinadientes. Camuñas es un monstruo andrajoso, sucio y desaliñado que vive en lo más profundo del bosque y odia a los niños y las niñas. A través de los títeres, del humor, la música y de personajes divertidos la obra habla de valentía, coraje y del poder de enfrentarse a los propios miedos.

El 21 de octubre Histrión Teatro representará Dysphoria, un monólogo de ficción protagonizado por Gema Matarranz que explora el vacío legal y el sufrimiento que afrontan las personas en situaciones de identidad de género. La obra aborda con delicadeza temas como el fraude de género, la Ley Trans y la aceptación de las personas trans en los núcleos familiares.

El espectáculo de danza contemporánea Halley de la compañía navarra Led Silhouette se podrá ver el 22 de octubre. Dirigida por Jon López y Martxel Rodríguez, la obra explora la existencia humana a través del cometa Halley. Plantea una reflexión sobre los ciclos de la historia y las grandes preguntas humanas.

‘COLOR’ CIERRA LA PROGRAMACIÓN

Cerrará el 49º Festival de Teatro de Badajoz Color, la propuesta de Animasur que sitúa al público dos escalones por debajo en una instalación para que observe a las figuras más poderosas del planeta. Este montaje de la compañía granadina, con guion y dramaturgia de Paco Pascual, confronta al espectador con la dinámica del sometimiento. La obra aborda el gran dilema histórico entre amo y siervo.

Entre las actividades paralelas de esta edición se encuentra un Workshop de repertorio relacionado con la obra Hasthag#Free impartido por su director Daniel Cardoso; la presentación de la recién constituida Asociación de Profesionales de la Danza de Extremadura (APEDEX); un taller infantil de teatro de sombras con la compañía Kauta y Galea; y las III Jornadas de Debate de la Unión de Actores y Actrices Profesionales de Extremadura (UAPEX).

Los abonos y las entradas para los espectáculos están ya a la venta en la web del teatro López de Ayala de Badajoz.

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El programa que interpretarán se titula ‘Filia Musicae’ y es un homenaje a aquellas mujeres de finales del siglo XVII que compusieron en los conventos de clausura italianos durante el barroco, mujeres que, en muchos casos, tuvieron que enfrentarse a importantes obstáculos para poder componer.

Este proyecto surgió de la estrecha colaboración y la amistad de Pérgamo Ensemble con la cantante canadiense Elizabeth Hetherington. “Ella lleva años haciendo una amplia investigación sobre música de estas monjas italianas, haciendo este repertorio y cantándolo en todos los festivales a los que es invitada”, señala Turina.

UNA VIDA MONACAL LIGADA A LA MÚSICA

Las obras seleccionadas pertenecen a las monjas Isabella Leonarda, Lucrezia Orsina Vizzana, Chiara Margarita Cozzolani y Rosa Giacinta Badalla. “Todas ellas fueron seguramente mujeres extraordinarias que pasaron toda su vida dentro de los muros de un convento y en muchos de esos conventos italianos era normal que, aparte de todas las labores que realizaban las monjas, tuvieran formación musical y sobre todo hacían partícipe a la música de los oficios religiosos”.

Por ello sus composiciones están dedicadas a Dios, a pasajes de la Biblia o motetes sobre la Virgen, “todas con un trasfondo religioso”.

La curiosidad de Pérgamo Ensemble se centró hace unos años en una de estas mujeres: la monja ursulina Isabella Leonarda, que pasó su vida en el convento Collegio di Sant’Orsola de Novara. “De todas estas monjas ella nos pareció la más importante, es de la que más música se conserva. En su vida publicó más de 20 volúmenes, todos ellos de una factura extraordinaria. Fue una compositora destacada”, explica Turina.

ESTRENO EN LA CATEDRAL DE BADAJOZ DE UN MOTETE DE ISABELLA LEONARDA

Investigando encontraron un volumen de motetes que nunca se habían vuelto a tocar, “se consideraban perdidos, en los catálogos más importantes sobre la vida y obra de Isabela Leonarda no aparecían, aunque se sabía que se habían publicado”.

El descubrimiento del libro de motetes opus 12 de Isabella Leonarda, inédito hasta la fecha, al que Pérgamo Ensemble ha tenido acceso se encuentra custodiado en el archivo de la Gesellschaft der Musikfreunde en Wien.

Uno de estos motetes, el opus 12 número 2, ‘Victoria’, lo estrenó el ensemble recientemente en la Semana de Música Religiosa de Cuenca. Otro Motete, ‘Si penando’, opus 12 número 4, se estrenará el 13 de septiembre en el Festival de Música Sacra y Antigua de Badajoz. “Es un estreno mundial, porque no se había vuelto a tocar desde que se publicó en su época, al menos no hay registro de ello”.

Pérgamo Ensemble ha recibido una de las becas Leonardo que concede el BBVA para hacer una grabación discográfica con la recuperación de estos motetes y un documental sobre la vida y la obra de Isabela Leonarda.

Las compositoras no lo tuvieron nunca fácil, máxime en el siglo XVII. Fueron muchos los obstáculos que tuvieron que sortear.

CIERRE DE CONVENTOS Y PROHIBICIONES PARA COMPONER

Lucrezia Orsina Vizzana, que ingresó a los ocho años en el convento de Santa Cristina de Bolonia, publicó en 1623 un libro de motetes, algo poco habitual para una mujer de su época. Las críticas, especialmente desde la Iglesia, desembocaron en 1628 en la intervención militar y el cierre del convento, además de la prohibición de que continuara componiendo. Tras estos acontecimientos se sumaron a problemas de salud y fue considerada loca.

El programa incluye además música de Chiara Margarita Cozzolani, procedente de una familia rica de Milán. Ella recibió formación musical antes de ingresar en un convento en 1619. Publicó varias obras entre 1640 y 1650, destacando sus ‘Vísperas’. Llegó a ascender al cargo de abadesa, posición desde la que defendió la práctica musical de las monjas frente a los intentos del arzobispo Alfonso Litta de limitarla.

Varias generaciones más tarde la monja benedictina Rosa Giacinta Badalla, nacida alrededor de 1660 en la zona de Milán, posiblemente en Bérgamo, publicó una colección de motetes para voz solista en Venecia en 1684.

“En esa época que una mujer publicara música ya era todo un logro, pero cualquier mujer que no hubiera sido monja lo tenía aún más difícil. Tenemos bastantes ejemplos, como el caso de otra italiana, Anna Bon, que era una compositora y una música extraordinaria, hasta que se casó y por las leyes de la época no pudo seguir componiendo ni trabajando en la música”, explica el violonchelista del ensemble.

“En el caso de estas monjas estaban algo más protegidas porque ya estaban casadas para siempre con Dios y podían dedicar su vida al arte y a cultivar la música”.

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El grupo musical Regajales, surgido en Alburquerque, que fusiona el estilo tradicional folk con sonidos celtas, abrió el pasado 25 de julio Músicos en Movimiento 2026 en la localidad de Cabeza del Buey. Participó también The B-Siders, una banda que aúna rock español y pop clásico.

PROGRAMACIÓN PARA NIÑOS Y ADOLESCENTES

La siguiente cita tendrá lugar el 1 de agosto en Talavera la Real, donde habrá una programación dedicada a los niños con el espectáculo Libru Mágicu y el proyecto musical Serpentina, que ofrece un repertorio de canciones para niños con una amplia variedad de estilos, del swing hasta el funk, el rock o el reggae. También actuará Estanco 72, un grupo musical de Badajoz integrado por tres jóvenes promesas de la música, que hacen pop y ‘música negra’ (R&B, trap, soul, hip hop…).

Cerrará la jornada en Talavera la Real la Iberian Big Band, el proyecto musical que se fundó a finales de 2010 por parte de profesionales extremeños de la música procedentes de diferentes ámbitos y estilos (música clásica, rock, jazz, blues, soul…) y con una interesante trayectoria.

MÚSICA AFROCUBANA, REGGAE, JAZZ, POP Y ROCK PARA TODOS LOS GUSTOS

La siguiente parada de Músicos en Movimiento 2026 será el 22 de agosto en San Vicente de Alcántara, donde se reunirán Pacombo Latino, un grupo surgido en Extremadura que fusiona música afrocubana con elementos clásicos del jazz y que ha recorrido numerosos festivales de jazz por toda España, con Supertennis y The Presbicious.

Supertennis, que ya ha estado en otras ediciones del festival, es una banda de pop-rock procedente de Alburquerque que surgió como dueto a finales de 2006, mientras que The Presbicious es una banda fiestera de versiones creada por viejos conocidos de la escena musical extremeña.

El 7 de septiembre llegará Músicos en Movimiento 2026 a Valverde de Leganés. En este municipio se sumarán los conciertos del festival a la programación de la Noche en Blanco. Así sonará en la Plaza de la Constitución de esta localidad la voz de Maritune con sus versiones y temas personales, así como las actuaciones del cantante placentino Ismael González y la Electric Band con sus versiones pop rock de ayer y hoy.

En Almendralejo concluirá la undécima edición de Músicos en Movimiento el 12 de septiembre con el reggae femenino extremeño de Asina Önde, el rock del verato Sergio Cepeda y los covers de The Lucky Mirrors. Todos los conciertos comenzarán a las 22:00 horas.

“HAY UN HERMANAMIENTO ENTRE EL PÚBLICO Y LOS MÚSICOS LOCALES”

“Hemos conseguido en estos once años de festival un hermanamiento entre el público de la provincia de Badajoz y los músicos locales. Son bandas ya conocidas en el territorio y se ha creado una identidad cultural que era muy necesaria”, explica Jesús Óscar Elías, coordinador del proyecto.

En este sentido se cumple el objetivo de Músicos en Movimiento, que surgió para promocionar la música contemporánea y acercar el talento musical extremeño al mundo rural.  “También hemos hecho un hueco a las bandas y los músicos que se han tenido que ir fuera, queremos recordarles que tienen su sitio en Extremadura”, señala.

GENE GARCÍA EN EL RECUERDO

Además, Músicos en Movimiento 2026 rendirá homenaje a Gene García, figura imprescindible de la música extremeña y uno de los grandes embajadores culturales de la región. Gene García, según recordó Òscar Elías, formó parte de los primeros años del festival, contribuyendo de manera decisiva a consolidar un proyecto que hoy se ha convertido en una referencia para la música en directo en la provincia.

La imagen y el recuerdo de Gene estarán presentes este verano en cada uno de los conciertos del Festival, en agradecimiento a su compromiso con la cultura extremeña y al legado artístico que dejó en varias generaciones de músicos.

El diputado provincial Manuel Gómez destacó la “firme apuesta de la Diputación de Badajoz por democratizar el acceso a la cultura y garantizar que los vecinos de cualquier municipio puedan disfrutar de propuestas musicales de calidad”. Asimismo, ha subrayado que iniciativas como Músicos en Movimiento contribuyen también a fortalecer el tejido cultural y creativo de Extremadura, generando espacios donde el talento local encuentra visibilidad y oportunidades de crecimiento.

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